54 slávnych obrazov od slávnych umelcov

To, že ste vo svojom živote slávnym umelcom, nie je zárukou toho, že si vás ostatní umelci pamätajú. Počuli ste už o francúzskom maliarovi Ernestovi Meissonierovi?

Bol súčasníkom Edouarda Maneta a jednoznačne úspešnejšieho umelca v oblasti ohlasov a predaja. Platí to aj naopak, čo sa týka Vincenta van Gogha. Van Gogh sa spoliehal na svojho brata Thea, že mu poskytne farby a plátno, napriek tomu dnes jeho obrazy dosahujú rekordné ceny, kedykoľvek prídu na aukciu umenia, a je to meno domácnosti.

Pohľad na slávne maľby z minulosti i súčasnosti vás môže naučiť veľa vecí vrátane kompozície a zaobchádzania s farbou. Pravdepodobne najdôležitejšou lekciou je, že by ste mali nakoniec maľovať pre seba, nie pre trh alebo potomkov.

„Nočná hliadka“ - Rembrandt

Obraz "Nočná hliadka" od Rembrandt je v Rijksmuseum v Amsterdame. Ako ukazuje fotografia, je to obrovský obraz: 363x437cm (143x172 ").

Rembrandt dokončil ho v roku 1642. Jej skutočný názov je „The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch“, ale je známejší ako Nočná hliadka. (Spoločnosť strážiaca milíciu).

Skladba obrazu bola na dané obdobie veľmi odlišná. Namiesto toho, aby Rembrandt ukazoval figúry úhľadne a usporiadane, kde dostali všetci na plátne rovnakú dôležitosť a priestor, ich Rembrandt namaľoval ako rušnú skupinu v akcii.

Okolo roku 1715 bol na „Nočnú hliadku“ namaľovaný štít obsahujúci mená 18 osôb, identifikované však boli iba niektoré z nich. (Pamätajte teda, že ak maľujete skupinový portrét: nakreslite schému na chrbát, aby ste mohli ísť s menami všetkých, ktorí sa tak tešia do budúcnosti generácie to budú vedieť!) V marci 2009 holandský historik Bas Dudok van Heel konečne odhalil záhadu kto je kto v maľba. Jeho výskum dokonca našiel kúsky oblečenia a doplnkov zobrazené v „Nočnej stráži“ uvedenej v zoznamoch rodinné statky, ktoré potom zhromaždil s vekom rôznych domobrancov v roku 1642, teda v roku, keď bol obraz obrazom dokončené.

Dudok van Heel tiež zistil, že v hale, kde boli prvýkrát zavesené Rembrandtove „Nočné hliadky“, bolo šesť skupín portréty domobrany pôvodne zobrazené v súvislej sérii, nie šesť samostatných obrazov ako už dávno bolo pomyslel si. Namiesto toho šesť skupinových portrétov Rembrandta, Pickenoya, Bakkera, Van der Helsta, Van Sandrarta a Flincka tvorilo neprerušovaný vlys, ktorý sa navzájom zhodoval a bol upevnený v drevenom obložení miestnosti. Alebo to bol zámer. Rembrandtova „Nočná hliadka“ sa nehodí k ostatným obrazom v kompozícii ani farbe. Zdá sa, že Rembrandt nedodržal podmienky svojej provízie. Ale potom, keby mal, nikdy by sme nemali tento nápadne odlišný skupinový portrét zo 17. storočia.

„Zajac“ - Albrecht Dürer

Bežne sa označuje ako Dürerov králik, oficiálny názov tohto obrazu ho nazýva zajac. Obraz je v stálej zbierke Zbierka Batliner z Múzeum Albertina vo Viedni v Rakúsku.

Maľované bolo pomocou akvarelu a kvašu, pričom biele odtiene boli robené do kvašu (namiesto toho, aby to nebol nenatretý biely papier).

Je to pozoruhodný príklad toho, ako sa dá maľovať kožušina. Ak to chcete napodobniť, prístup, ktorý zvolíte, závisí od toho, koľko trpezlivosti máte. Ak máte pudlíky, budete maľovať tenkou kefkou, po jednom kuse. V opačnom prípade použite techniku ​​suchého štetca alebo rozdeľte chĺpky na kefu. Trpezlivosť a vytrvalosť sú nevyhnutné. Na mokrú farbu zapracujte príliš rýchlo a jednotlivé ťahy riskujú zmiešanie. Nepokračujte dostatočne dlho a kožušina bude pôsobiť nitovo.

Freska Sixtínskej kaplnky - Michelangelo

Obraz Michelangela stropu Sixtínskej kaplnky je jednou z najslávnejších fresiek na svete.

Sixtínska kaplnka je veľká kaplnka v Apoštolskom paláci, oficiálnom sídle pápeža (vodcu katolíckej cirkvi) vo Vatikáne. Má veľa fresiek namaľovaných niektorými z najväčších mien renesancie, vrátane nástenných fresiek Berniniho a Raphaela, napriek tomu je najznámejšia freskami na strope od Michelangela.

Michelangelo sa narodil 6. marca 1475 a zomrel 18. februára 1564. Na objednávku pápeža Júliusa II. Pracoval Michelangelostrop Sixtínskej kaplnky od mája 1508 do októbra 1512 (od septembra 1510 do augusta 1511 sa nepracovalo). Kaplnka bola slávnostne otvorená 1. novembra 1512, na sviatok Všetkých svätých.

Kaplnka je dlhá 40,23 metra, široká 13,40 metra a strop v najvyššom bode 20,70 metra nad zemou¹. Michelangelo namaľoval sériu biblických scén, prorokov a Kristových predkov, ako aj trompe l'oeil alebo architektonické prvky. Hlavná oblasť stropu zobrazuje príbehy z príbehov knihy Genezis vrátane stvorenia ľudstva, pádu človeka z milosti, potopy a Noeho.

Strop Sixtínskej kaplnky: Detail

Panel zobrazujúci stvorenie človeka je pravdepodobne najznámejšou scénou slávnej fresky od Michelangela na strope Sixtínskej kaplnky.

Sixtínska kaplnka vo Vatikáne má veľa fresiek namaľovaných, napriek tomu ju najviac preslávili fresky na strope od Michelangela. V rokoch 1980 až 1994 vykonali vatikánski odborníci na umenie rozsiahlu reštauráciu, ktorá odstránila dym zo sviečok v priebehu storočí a predchádzajúce reštaurátorské práce. To odhalilo farby oveľa jasnejšie, ako sa doteraz myslelo.

Použité pigmenty, ktoré Michelangelo použil, zahŕňali okrovú farbu pre červené a žlté farby, železité kremičitany pre zelenú farbu, lapis lazuli pre modrú farbu a drevené uhlie pre čiernu farbu.¹ Nie všetko je namaľované tak podrobne, ako sa na prvý pohľad zdá. Napríklad postavy v popredí sú maľované podrobnejšie ako tie v pozadí, čo zvyšuje dojem hĺbky v strope.

Viac o Sixtínskej kaplnke:

• Vatikánske múzeá: Sixtínska kaplnka
• Virtuálna prehliadka Sixtínskej kaplnky

Zdroje:
1 Vatikánske múzeá: Sixtínska kaplnka, webová stránka Vatikánskeho mestského štátu, sprístupnená 9. septembra 2010.

Zápisník Leonarda da Vinciho

Renesančný umelec Leonardo da Vinci je známy nielen svojimi obrazmi, ale aj notebookmi. Táto fotografia zobrazuje jednu v múzeu V&A v Londýne.

Múzeum V&A v Londýne má vo svojej zbierke päť zošitov Leonarda da Vinciho. Tú, známu ako Codex Forster III, používal Leonardo da Vinci v rokoch 1490 až 1493, keď pracoval v Miláne u vojvodu Ludovica Sforzu.

Je to malý notebook, veľkosti takej veľkosti, ktorú by ste ľahko mohli mať vo vrecku kabáta. Je plný najrôznejších nápadov, poznámok a náčrtov, vrátane „náčrtov konských nôh, nákresov čiapky a odevy, ktoré mohli byť nápadmi na kostýmy na plesoch, a popis anatómie človeka hlava. “¹ Aj keď v notebooku nie je možné otáčať stránky notebooku, môžete v ňom listovať online.

Čítanie jeho rukopisu nie je ľahké medzi kaligrafickým štýlom a použitím zrkadlového písma (dozadu, sprava doľava), ale pre niektorých je fascinujúce vidieť, ako dáva všetko do jedného zápisník. Je to pracovný zošit, nie výstavné dielo. Ak ste sa niekedy obávali, že váš denník tvorivosti nebolo nejako správne urobené alebo zorganizované, vezmite si vedenie od tohto pána: robte to, ako potrebujete.

<sub>Zdroj:
1. Preskúmajte Forster Codices, múzeum V&A. (Prístupné 8. augusta 2010.)</sub>

„The Mona Lisa“ - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciMaľba "Mona Lisa" v parížskom Louvre je nepochybne najznámejšou maľbou na svete. Je to pravdepodobne tiež najznámejší príklad sfumato, technika maľby čiastočne zodpovedná za jej záhadný úsmev.

Veľa sa špekulovalo o tom, kto bola žena na obraze. Považuje sa to za portrét Lisy Gherardiniovej, manželky florentského obchodníka s odevmi menom Francesco del Giocondo. (Spisovateľ umenia 16. storočia Vasari to vo svojom „Živote umelcov“ naznačil medzi prvými.). Navrhuje sa tiež, že dôvodom jej úsmevu bolo, že bola tehotná.

Historici umenia to vedia Leonardo začala „Mona Lisa“ do roku 1503, ako záznam o tom v tom roku urobil vyšší florentský úradník Agostino Vespucci. Keď skončil, je to menej isté. Louvre pôvodne datoval maľbu do rokov 1503-06, ale objavy uskutočnené v roku 2012 naznačujú, že to mohlo byť až o desať rokov neskôr predtým, ako bola dokončená, na základe pozadia založeného na kresbe hornín, o ktorom je známe, že ho vytvoril 1510-15.¹ Louvre v marci 2012 zmenil dátumy na 1503-19.

Zdroj:
1. Mona Lisa mohla byť dokončená o desať rokov neskôr, ako si mysleli noviny The Art Newspaper, Martin Bailey, 7. marca 2012 (sprístupnené 10. marca 2012)

Slávni maliari: Monet v Giverny

Referenčné fotografie pre maľbu: Monetova „Záhrada v Giverny“.

Jedným z dôvodov, prečo je impresionistický maliar Claude Monet taký slávny, sú jeho obrazy odrazov v rybníkoch ľalií, ktoré vytvoril vo svojej veľkej záhrade v Giverny. Inšpirovalo ho mnoho rokov, až do konca jeho života. Načrtol nápady na maľby inšpirované rybníkmi a vytvoril malé i veľké obrazy ako jednotlivé diela aj série.

Podpis Clauda Moneta

Tento príklad toho, ako Monet podpisoval svoje obrazy, je z jedného z jeho obrazov s leknami. Vidíte, že je podpísaný menom a priezviskom (Claude Monet) a rokom (1904). Je v pravom dolnom rohu, dostatočne ďaleko na to, aby ho neodrezal rám.

Celé meno Moneta bolo Claude Oscar Monet.

„Impression Sunrise“ - Monet

Tento obraz od Moneta dal meno impresionistický štýl umenia. Vystavil ju v roku 1874 v Paríži na prvej impresionistickej výstave.

V recenzii výstavy nazvanej „Výstava impresionistov“ umelecký kritik Louis Leroy uviedol:

"Tapety v embryonálnom stave sú dokonalejšie ako táto prímorská krajina."

<sub>Zdroj:
1. „L'Exposition des Impressionnistes“ Louis Leroy, Le Charivari, 25. apríla 1874, Paríž. Preložil John Rewald v jazyku Dejiny impresionizmu, Moma, 1946, str. 256-61; citované v Salóne na bienále: Výstavy, ktoré sa zapísali do dejín umenia, Bruce Altshuler, Phaidon, s. 42-43.</sub>

Séria „stohy sena“ - Monet

Monet často namaľoval sériu rovnakých tém, aby zachytil meniace sa účinky svetla a vymenil plátna, ako postupoval deň.

Monet maľoval opakovane mnoho námetov, ale každý jeho sériový obraz je iný, či už je to maľba lekna alebo kopa sena. Keďže Monetove obrazy sú roztrúsené v zbierkach po celom svete, jeho sériové obrazy sú považované za skupinu iba na špeciálnych výstavách. Našťastie Inštitút umenia v Chicagu má vo svojej zbierke niekoľko obrazov Monetových senníkov, pretože sú pôsobivé spoločné prezeranie:

• Stoh pšenice
• Rozmraziť, západ slnka
• Západ slnka, efekt snehu
• Snehový efekt, zamračený deň
• Koniec leta

V októbri 1890 napísal Monet list umeleckému kritikovi Gustavovi Geffroyovi o sérii stohov, ktorú maľoval, a uviedol:

„Som v tom tvrdo, pracujem tvrdohlavo na rade rôznych efektov, ale v tomto ročnom období zapadá slnko tak rýchlo, že je nemožné s ním držať krok... čím ďalej, tým viac vidím, že je potrebné urobiť veľa práce, aby sa dosiahlo to, čo hľadám: „okamžitosť“, predovšetkým „obálka“, rovnaké svetlo sa šírilo po všetkom... Stále viac som posadnutá potrebou poskytnúť to, čo prežívam, a modlím sa, aby mi ešte pár dobrých rokov zostávalo, pretože si myslím, že v tomto smere možno urobím určitý pokrok... “ ¹

<sup>Zdroj: ​
1. Monet sám, str. 172, editoval Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

„Lekná“ - Claude Monet

Claude Monet„Lekná“, c. 19140-17, olej na plátne. Veľkosť 65 3/8 x 56 palcov (166,1 x 142,2 cm). V zbierke Múzeá výtvarného umenia v San Franciscu.

Monet je azda najslávnejším z impresionistov, najmä pre svoje maľby odrazov v jazierku s ľaliami v jeho záhrade Giverny. Táto konkrétna maľba zobrazuje malý oblak v pravom hornom rohu a škvrnitú modrú oblohu odrážajúcu sa vo vode.

Ak si preštudujete fotografie Monetovej záhrady, ako napríklad tento z Monetinho ľaliového jazierka a tento z kvetov ľalie, a porovnáte ich s týmto obrazom, získajte predstavu o tom, ako Monet znížil detaily vo svojom umení vrátane iba podstaty scény alebo dojmu odrazu, vody a ľalie kvetina. Kliknutím na odkaz „Zobraziť v plnej veľkosti“ pod vyššie uvedenou fotografiou zobrazíte väčšiu verziu, v ktorej je jednoduchšie cítiť Monetovu kresbu.

Francúzsky básnik Paul Claudel povedal:

„Vďaka vode sa [Monet] stal maliarom toho, čo nevidíme. Oslovuje ten neviditeľný duchovný povrch, ktorý oddeľuje svetlo od odrazu. Vzdušný azúrový zajatec tekutého azúrovej... Farba stúpa od dna vody v oblakoch, vo vírivkách. “

^Zdroj:
Strana 262 Umenie nášho storočia, autor: Jean-Louis Ferrier a Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Maliar Camille Pissarro má tendenciu byť menej známy ako mnoho jeho súčasníkov (napríklad Monet), má však na umeleckej časovej osi jedinečné miesto. Pôsobil ako impresionista aj neoimpresionista a ovplyvňoval dnes už známych umelcov ako Cézanne, Van Gogh či Gauguin. Bol jediným umelcom, ktorý vystavoval na všetkých ôsmich z nich Impresionistické výstavy v Paríži v rokoch 1874 - 1886.

Van Gogh Autoportrét (1886/1887)

Toto portrét od Vincent van Gogh je v zbierke Art Institute of Chicago. Bol namaľovaný štýlom podobným pointilizmu, ale nedrží sa striktne iba bodiek.

Za dva roky, ktoré žil v Paríži, od roku 1886 do roku 1888, namaľoval Van Gogh 24 autoportrétov. Umelecký inštitút v Chicagu popísal tento postup ako postup využívajúci Seuratovu „bodkovú techniku“ nie ako vedeckú metódu, ale ako „intenzívnu emocionálny jazyk „v ktorom“ sú červené a zelené bodky znepokojujúce a úplne zodpovedajú nervovému napätiu evidentnému u van Gogha pohľad. “

V liste o niekoľko rokov neskôr svojej sestre Wilhelmine napísal Van Gogh:

„V poslednej dobe som namaľoval dva svoje obrázky, z ktorých jeden má podľa všetkého skôr pravý charakter, aj keď v Holandsku by sa pravdepodobne posmievali myšlienkam o portrétnej maľbe, ktoré klíčia tu... Vždy si myslím, že fotografie sú ohavné a nerád ich mám okolo seba, zvlášť nie od osôb, ktoré poznám a milujem... fotografické portréty vädnú oveľa skôr ako my sami, zatiaľ čo maľovaný portrét je vec, ktorá sa cíti a robí sa s láskou alebo úctou k zobrazovanej ľudskej bytosti. ““

Zdroj:
List Wilhelmine van Goghovej z 19. septembra 1889

Podpis Vincenta van Gogha

Nočná kaviareň od Van Gogha je teraz v zbierke Galérie umenia na univerzite v Yale. Je známe, že Van Gogh podpísal iba tie obrazy, s ktorými bol obzvlášť spokojný, ale neobvyklé je v prípade tohto obrazu, že pod svoj podpis pridal názov „Le café de Nuit“.
Všimnite si, že Van Gogh podpísal svoje maľby jednoducho „Vincent“, nie „Vincent van Gogh“ ani „Van Gogh“.

V liste svojmu bratovi Theovi, napísanom 24. marca 1888, uviedol:

„V budúcnosti by moje meno malo byť uvedené v katalógu tak, ako ho podpíšem na plátno, a to Vincent, a nie Van Gogh, z jednoduchého dôvodu, že tu nevedia, ako sa toto druhé meno vysloví.“

„Tu“ je Arles na juhu Francúzska.
Ak ste sa pýtali, ako sa vyslovuje Van Gogh, nezabudnite, že je to holandské priezvisko, nie francúzske alebo anglické. Takže „Gogh“ sa vyslovuje, takže sa rýmuje so škótskym „loch“. Nie je to „goff“ ani „go“.

Hviezdna noc - Vincent van Gogh

Tento obraz, ktorý je pravdepodobne najznámejším obrazom Vincenta van Gogha, sa nachádza v zbierke Múzeum moderného umenia v New Yorku.
Van Gogh maľoval Hviezdna noc v júni 1889, keď som sa zmienil o rannej hviezde v liste svojmu bratovi Theovi, ktorý napísal okolo 2. júna 1889: „Dnes ráno som videl krajinu z môjho okna dlho pred východom slnka, s ničím iným ako s rannou hviezdou, ktorá vyzerala veľmi veľká. „Ranná hviezda (v skutočnosti planéta Venuša, nie hviezda) sa všeobecne považuje za veľkú bielu farbu namaľovanú tesne vľavo od stredu maľby.
Predchádzajúce Van Goghove listy tiež spomínajú hviezdy a nočnú oblohu a jeho túžbu maľovať ich:

1. „Kedy sa niekedy dostanem k tomu, aby som urobil hviezdnu oblohu, ten obraz, ktorý mám stále na mysli?“ (List Emile Bernardovi, asi 18. júna 1888)
2. „Pokiaľ ide o hviezdnu oblohu, stále dúfam, že ju budem namaľovať, a možno sa dočkám aj jedného z týchto dní.“ (List Thovi van Goghovi, 26. septembra 1888).
3. „V súčasnosti chcem absolútne maľovať hviezdnu oblohu. Často sa mi zdá, že noc je stále bohatšie zafarbená ako deň; s odtieňmi najintenzívnejších fialiek, modrej a zelenej farby. Keby ste tomu len venovali pozornosť, uvidíte, že niektoré hviezdy sú citrónovo žlté, iné ružové alebo zelené, modré a brilantné Nezabudnite... je zrejmé, že vloženie malých bielych bodiek na modro-čierne nestačí na vyfarbenie hviezdnej oblohy. “(List Wilhelmine van Goghovej, 16. septembra 1888)

Reštaurácia de la Sirene v Asniere - Vincent van Gogh

Tento obraz od Vincenta van Gogha je v zbierke Ashmoleanského múzea v Oxforde vo Veľkej Británii. Van Gogh ju namaľoval krátko po svojom príchode do Paríža v roku 1887, aby žil u svojho brata Thea na Montmartri, kde Theo riadil umeleckú galériu.
Po prvýkrát bol Vincent vystavený obrazom impresionistov (najmä Moneta) a stretol sa s umelcami ako napr Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard a Pissarro. V porovnaní s jeho predchádzajúcou tvorbou, v ktorej dominovali temné zemské tóny typické pre severoeurópskych maliarov ako Rembrandt, ukazuje tento obraz vplyv týchto umelcov na neho.
Farby, ktoré použil, sa zosvetlili a zosvetlili a jeho rukopis sa stal voľnejším a zreteľnejším. Pozrite sa na tieto podrobnosti z maľby a uvidíte, ako použil malé ťahy čistej farby, ktoré sú oddelené. Nemieša farby na plátne, ale umožňuje, aby sa to stalo v očiach diváka. Skúša to rozbitá farba prístup impresionistov.
V porovnaní s jeho neskoršími maľbami sú farebné pásy vzdialené od seba, medzi nimi je neutrálny podklad. Zatiaľ nezakrýva celé plátno nasýtenou farbou, ani nevyužíva možnosti použitia štetcov na vytvorenie textúry v samotnej farbe.

Restaurant de la Sirene, v Asniere od Vincenta van Gogha (Detail)

Tieto podrobnosti z Van Goghovho obrazu Restaurant de la Sirene v Asniere (v zbierke Ashmoleanského múzea) ukazujú, ako po vystavení maľbám impresionistov a iných súčasných Parížanov experimentoval so svojimi rukopismi a štetcami umelcov.

„Štyria tanečníci“ - Edgar Degas

Edgar Degas, Štyria tanečníci, okolo r. 1899. Olej na plátne. Veľkosť 59 1/2 x 71 palcov (151,1 x 180,2 cm). V Národná galéria umenia, Washington.

„Portrét matky umelca“ - Whistler

Toto je pravdepodobne Whistlerov najslávnejší obraz. Celý jeho názov je „Aranžmán v šedej a čiernej farbe č. 1, Portrét matky umelca“. Jeho matka súhlasila s pózovaním pre tento obraz, keď ochorela modelka, ktorú Whistler používal. Spočiatku ju požiadal, aby pózovala v stoji, ale ako vidíš, vzdal sa a nechal ju sadnúť si.
Na stene je lept od Whistlera „Black Lion Wharf“. Ak sa veľmi opatrne pozriete na záves vľavo hore na ráme leptu uvidíte ľahšiu šmuhu, to je symbol motýľa, ktorý Whistler používal na podpis svojich obrazov. Symbol nebol vždy rovnaký, ale zmenil sa a jeho tvar sa používa k dátumu jeho umeleckých diel. Je známe, že ho začal používať od roku 1869.

„Nádej II“ - Gustav Klimt

„Kto chce o mne niečo vedieť - ako umelkyňa je to jediné, čo je pozoruhodné - mal by si pozorne pozrieť moje obrázky a pokúsiť sa na nich vidieť, čo som a čo chcem robiť.“ Klimt.

Gustav Klimt maľoval Nádej II na plátne v rokoch 1907/8 s použitím olejových farieb, zlata a platiny. Má veľkosť 43,5 x 43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Obraz je súčasťou zbierky Múzeum moderného umenia v New Yorku.
Nádej II je krásnym príkladom Klimtovo použitie zlatého listu v obrazoch a jeho bohatý ornamentálny štýl. Pozrite sa na to, ako maľoval odev, ktorý nosila hlavná postava, ako je to abstrahovaný tvar zdobený kruhmi, napriek tomu ho stále „čítame“ ako plášť alebo šaty. Ako sa v spodnej časti spája do ďalších troch tvárí.
Vo svojej ilustrovanej biografii Klimta umelecký kritik Frank Whitford uviedol:

Klimt „použil skutočné zlaté a strieborné listy, aby ešte viac zvýšil dojem, že maľba je vzácny predmet, nie vzdialene zrkadlo, v ktorom sa dá zahliadnuť príroda, ale starostlivo spracovaný artefakt. ““ ²

Je to symbolika, ktorá sa v súčasnosti stále považuje za platnú vzhľadom na to, že zlato sa stále považuje za hodnotnú komoditu.
Klimt žil vo Viedni v Rakúsku a inšpiráciu čerpal viac z východu ako zo Západu, z „takých zdrojov ako Byzantské umenie, mycénske kovanie, perzské koberce a miniatúry, mozaiky ravennských kostolov a japončina obrazovky. “ ³
Zdroj:
1. Umelci v kontexte: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), zadný obal.
2. Tamže. p82.
3. Hlavné prvky MoMA (Museum of Modern Art, New York, 2004), s. 54

Picassov podpis

Toto je podpis Picasso na jeho obraze z roku 1903 (z jeho modrého obdobia) s názvom „Absinthe Alkohol“.
Picasso experimentoval s rôznymi skrátenými verziami svojho mena ako jeho maliarskeho podpisu, vrátane zakrúžkovala iniciály, predtým než nastavila „Pablo Picasso“. Dnes ho všeobecne počujeme označovať ako jednoducho „Picasso.“

Jeho celé meno bolo: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Zdroj:
1. „A Sum of Destructions: Picasso's Cultures and the Creation of Cubism,“ autorka Natasha Staller. Yale University Press. Strana s209.</sub>

„Absintový pijan“ - Picasso

Tento obraz vytvoril Picasso v roku 1903, počas jeho Modrého obdobia (čas, keď na Picassových maľbách dominovali tóny modrej; keď mal dvadsať rokov). Vystupuje v ňom umelec Angel Fernandez de Soto, ktorý bol nadšením pre párty a pitie alkoholu viac ako pre svoju maľbu¹, a ktorí dvakrát zdieľali štúdio s Picassom v Barcelone.
Obraz dal do dražby v júni 2010 Nadácia Andrewa Lloyda Webbera po tom, čo sa v USA dosiahla mimosúdna dohoda o vlastníctve, na základe tvrdenia potomkov nemecko-židovského bankára Paula von Mendelssohna-Bartholdyho, že obraz bol pod nátlakom v 30. rokoch počas nacistického režimu v r. Nemecko.

<sub>Zdroj:
1. Aukčná sieň Christie tlačová správa„„ Christie's to offer Picasso Masterpiece “, 17. marca 2010.</sub>

„Tragédia“ - Picasso

Pablo Picasso, Tragédia, 1903. Olej na dreve. Veľkosť 41 (105,3 x 69 cm) 7/16 x 27 3/16 palca. V Národná galéria umenia, Washington.

Je to z jeho Modrého obdobia, keď jeho maľby, ako už názov napovedá, dominovali všetky blues.

Náčrt Picassa pre jeho slávnu maľbu „Guernica“

Pri plánovaní a práci na svojom obrovskom obraze Guernica urobil Picasso veľa náčrtov a štúdií. Na fotografii je jeden z jeho zloženie náčrty, ktoré to samo o sebe veľmi nevyzerá, zbierka čmáraných čiar.

Namiesto toho, aby ste sa pokúsili dešifrovať, čo by mohlo byť vo finálnej maľbe a kde to je, považujte to za skratku Picassa. Jednoduché známkovanie za obrazy, ktoré držal vo svojej mysli. Zamerajte sa na to, ako to používa pri rozhodovaní, kam umiestniť prvky do maľby, na interakciu medzi týmito prvkami.

"Guernica" - Picasso

Táto slávna Picassova maľba je ohromná: 3 metre a 6 palcov vysoká a 25 stôp a 8 palcov široká (3,5 x 7,76 metra). Picasso ho namaľoval na objednávku pre španielsky pavilón na svetovom veľtrhu v roku 1937 v Paríži. Nachádza sa v múzeu Reina Sofia v španielskom Madride.

„Portrait de Mr Minguell“ - Picasso

Picasso urobil túto portrétnu maľbu v roku 1901, keď mal 20 rokov. Katalánsky krajčír, pán Minguell, o ktorom sa predpokladá, že Picassovi ho predstavil jeho obchodník s umením a priateľ Pedro Manach.¹. Tento štýl ukazuje školenie, ktoré mal Picasso v tradičnej maľbe, a to, ako ďaleko sa vyvinul jeho štýl maľby počas jeho kariéry. To, že je to namaľované na papier, je znakom toho, že sa to stalo v čase, keď bol Picasso zlomený, a ešte nezarobil dosť peňazí na svoje umenie maľovaním na plátno.

Picasso dal Minguellovi obraz ako darček, ale neskôr ho kúpil naspäť a stále ho mal, keď v roku 1973 zomrel. Obraz bol položený na plátno a pravdepodobne tiež obnovený pod Picassovým vedením „niekedy pred rokom 1969“.², keď to bolo nafotené pre knihu Christiana Zervosa na Picassovi.

Nabudúce budete v jednej z tých hádok, ktoré sa týkajú večere, o tom, ako všetci nereálni maliari iba maľujú abstraktné, kubista, fauvista, impresionista, vyberte si svoj štýl, pretože nemôže robiť „skutočné maľby“, opýtajte sa človeka, či do tejto kategórie zaradil Picassa (väčšina to robí), potom spomeňte tento obraz.

_{Zdroj:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Podrobnosti o predaji impresionizmu a moderného umenia 22. júna 2010. (Prístup k 3. júnu 2010.)}

„Dora Maar“ alebo „Tête De Femme“ - Picasso

Keď sa tento obraz Picassa predal na aukcii v júni 2008, predalo sa za 7 881 250 libier (15 509 512 dolárov). Odhad aukcie bol tri až päť miliónov libier.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Tento obrovský obraz (takmer osem metrov štvorcových) od Picassa je označovaný za jeden z najdôležitejších diel moderného umenia, aký bol kedy vytvorený, ak nie the najdôležitejšia, rozhodujúca maľba vo vývoji moderného umenia. Obraz zobrazuje päť žien - prostitútky v bordeli - ale veľa sa vedie diskusií o tom, čo to všetko znamená, a o všetkých odkazoch a vplyvoch na ňu.
Výtvarný kritik Jonathan Jones¹ hovorí:

„Picassa na afrických maskách [viditeľné na tvárach postáv vpravo] zasiahlo to najviditeľnejšia vec: že vás zamaskujú, urobia z vás niečo iné - zviera, démona, a bože. Modernizmus je umenie, ktoré nosí masku. Nehovorí sa, čo to znamená; nie je to okno, ale múr. Picasso si vybral svoju tému práve preto, že išlo o klišé: chcel ukázať, že originalita v umení nespočíva v rozprávaní alebo morálke, ale vo formálnej invencii. Preto je mylné považovať Les Demoiselles d'Avignon za maľbu „o“ verejných domoch, prostitútkach alebo kolonializme. ““

Zdroj:
1. Pablovi punkáči autor: Jonathan Jones, The Guardian, 9. januára 2007.

„Žena s gitarou“ - Georges Braque

Georges Braque, Žena s gitarou, 1913. Olej a drevené uhlie na plátne. 51 1/4 x 28 3/4 palca (130 x 73 cm). V Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paríž.

Červené štúdio - Henri Matisse

Tento obraz je v zbierke Múzeum moderného umenia (Moma) v New Yorku. Zobrazuje interiér Matissovho maliarskeho štúdia so sploštenou perspektívou alebo s jednou rovinou obrazu. Steny jeho štúdia neboli v skutočnosti červené, boli biele; pre efekt použil vo svojej maľbe červenú farbu.
V jeho štúdiu sú zobrazené rôzne jeho umelecké diela a kúsky štúdiového nábytku. Obrysy nábytku v jeho ateliéri sú čiary v farbe, ktoré odhaľujú farbu zo spodnej, žltej a modrej vrstvy, nie sú namaľované na červenú.

1. „Uhlové čiary naznačujú hĺbku a modrozelené svetlo okna zosilňuje zmysel pre vnútorný priestor, červená plocha však obraz splošťuje. Matisse tento efekt umocňuje napríklad vynechaním zvislej čiary v rohu miestnosti. ““
- Hlavné body MoMA, publikácia Moma, 2004, strana 77.

2. „Všetky prvky... potopiť svoje individuálne identity v tom, čo sa stalo predĺženou meditáciou o umení a živote, priestore, čase, vnímaní a povahe samotnej reality... križovatka pre západné maliarstvo, kde sa klasické pohľadové, prevažne reprezentačné umenie minulosti stretlo s provizórnym, zvnútorneným a sebareferenčným étosom budúcnosti... “
- Hilary Spurling, strana 81.

Tanec - Henri Matisse

Horná fotografia zobrazuje Matisseov hotový obraz s názvom Tanec, dokončená v roku 1910 a teraz v Štátnom múzeu Ermitáž v ruskom Petrohrade. Spodná fotografia zobrazuje úplnú kompozičnú štúdiu, ktorú pre malbu v súčasnosti vytvoril MAMA v New Yorku, USA. Matisse ho namaľoval na objednávku ruského zberateľa umenia Sergeja Ščukina.
Je to obrovský obraz, takmer štyri metre široký a dva a pol metra vysoký (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") a je namaľovaný paletou obmedzenou na tri farby: červená, zelená a modrá. Myslím si, že je to obraz, ktorý ukazuje, prečo má Matisse tak dobrú povesť koloristu, zvlášť keď so svojimi žiarivými figúrami porovnáte štúdiu s finálnou maľbou.
Hilary Spurling vo svojom životopise Matisse (na strane 30) hovorí:

„Tí, ktorí videli prvú verziu Tancuj opísal ho ako bledý, jemný, až snový, namaľovaný farbami, ktoré boli zvýraznené... v druhej verzii na divoký, plochý vlys rumelkových figúrok vibrujúcich proti pásmom jasne zelenej a oblohy. Súčasníci videli obraz ako pohanský a dionýzsky. ““

Všimnite si sploštenú perspektívu, ako sú obrázky rovnakej veľkosti, a nie tých, ktoré sú ďalej od menších, ako by sa vyskytli v perspektíve alebo skracovaní pre reprezentačné obrazy. Ako je zakrivená čiara medzi modrou a zelenou za figúrami, ktorá odráža kruh figúrok.

„Povrch bol zafarbený do sýtosti až do bodu, keď bola presvedčivo prítomná modrá, myšlienka absolútnej modrej. Jasná zelená pre zem a žiarivý rumenec pre telá. S týmito tromi farbami som mal svoju harmóniu svetla a tiež čistotu tónu. “- Matisse

Zdroj:
„Úvod na výstavu Z Ruska pre učiteľov a študentov“, Greg Harris, Kráľovská akadémia umení, Londýn, 2008.

Slávni maliari: Willem de Kooning

Maliar Willem de Kooning sa narodil v holandskom Rotterdame 24. augusta 1904 a zomrel 19. marca 1997 na Long Islande v New Yorku. De Kooning sa ako 12-ročný vyučil v odbore komerčného umenia a zdobenia. Osem rokov navštevoval večerné kurzy na rotterdamskej Akadémii výtvarných umení a technik. V roku 1926 emigroval do USA a v roku 1936 začal maľovať na plný úväzok.

De Kooningovým maliarskym štýlom bol abstraktný expresionizmus. Prvú samostatnú výstavu mal v galérii Charlesa Egana v New Yorku v roku 1948 s dielom v čierno-bielej smaltovanej farbe. (Začal používať smaltované farby, pretože si nemohol dovoliť umelcove pigmenty.) V 50. rokoch bol uznávaný ako jeden z vodcov abstraktného expresionizmu, hoci niektorí puristi tohto štýlu si mysleli, že jeho obrazy (ako napr jeho Žena zahrnuté série zahŕňajú príliš veľa ľudskej formy.

Jeho obrazy obsahujú veľa vrstiev, prvky sa prekrývajú a skrývajú, keď obraz prepracoval a prepracoval. Zmeny sa môžu zobraziť. Svoje plátna čerpal z dreveného uhlia rozsiahlo, pre prvotnú kompozíciu aj pri maľovaní. Jeho rukopis je gestický, expresívny, divoký a so zmyslom pre energiu za ťahmi. Pohľad na záverečné obrazy hotový, ale nebol.

De Kooningov umelecký výstup trval takmer sedem desaťročí a zahŕňal obrazy, sochy, kresby a tlače. Jeho záverečné maľby Zdroj na konci 80. rokov. Jeho najslávnejšie obrazy sú Pink Angels (c. 1945), Výkop (1950) a jeho tretí Žena seriály (1950 - 53), ktoré sa konajú v maliarskejšom štýle a improvizujúco. V 40. rokoch pracoval súčasne v abstraktných a reprezentačných štýloch. Jeho prielom priniesol čierno-biele abstraktné kompozície z rokov 1948–49. V polovici 50. rokov maľoval mestské abstrakcie, v 60. rokoch sa vrátil k figurácii a potom v 70. rokoch k veľkým gestickým abstrakciám. V 80. rokoch sa de Kooning zmenil na prácu na hladkých povrchoch a na fragmentoch gestických kresieb zasklenie jasnými, priehľadnými farbami.

Americká gotika - Grant Wood

Americká gotika je pravdepodobne najslávnejším zo všetkých obrazov, ktoré americký umelec Grant Wood kedy vytvoril. Teraz je v umeleckom inštitúte v Chicagu.

V roku 1930 Grant Wood vymaľoval „americkú gotiku“. Zobrazuje muža a jeho dcéru (nie jeho manželku)¹) stojaci pred ich domom. Grant uvidel budovu, ktorá inšpirovala maľbu v Eldone v Iowe. Architektonický štýl je americká gotika, vďaka čomu získal obraz aj svoj názov. Modelmi pre maľbu boli Woodova sestra a ich zubár.². Obraz je podpísaný v blízkosti spodného okraja, v mužskej kombinéze, s menom a rokom umelca (Grant Wood 1930).

Čo znamená maľba? Wood to zamýšľal ako dôstojné stvárnenie charakteru Američanov Stredozápadu, ktoré ukazuje ich puritánsku etiku. Dalo by sa to však považovať za komentár (satira) k neznášanlivosti vidieckeho obyvateľstva voči cudzincom. Symbolika v maľbe zahŕňa ťažkú ​​prácu (vidly) a domácnosť (kvetináče a zástera s koloniálnym potlačou). Ak sa pozriete pozorne, uvidíte, ako sa tri stehy vidly odrážajú v šití na mužských kombinézach a pokračujú v pruhoch na jeho košeli.

^{Zdroj:
Americká gotika, Art Institute of Chicago, vyvolané 23. marca 2011.}

„Kristus svätého Jána z Kríža“ - Salvador Dali

Tento obraz od Salvador Dalí je v zbierke Galéria a múzeum umenia Kelvingrove v škótskom Glasgowe. Prvýkrát sa predstavilo v galérii 23. júna 1952. Obraz bol zakúpený za 8 200 libier, čo sa považovalo za vysokú cenu, aj keď obsahoval autorské práva, ktoré umožňovali galérii zarábať poplatky za reprodukciu (a predávať nespočetné množstvo pohľadníc!).
Bolo neobvyklé, že Dali predal autorské práva na obraz, potreboval však peniaze. (Autorské práva zostávajú umelcovi, pokiaľ nie je prihlásený, viď Časté otázky o autorských právach.)

„Zjavne vo finančných ťažkostiach Dali pôvodne žiadal 12 000 libier, ale po niektorých tvrdých rokovaniach... predal ho takmer o tretinu menej a v roku 1952 podpísal list mestu [Glasgow] o postúpení autorských práv.

Názov maľby je odkazom na kresbu, ktorá inšpirovala Dalího. Kresba perom a atramentom bola vykonaná po videní, ktoré mal svätý Ján z Kríža (španielsky karmelitánsky mních, 1542–1591), v ktorom videl ukrižovanie Krista, akoby sa na to díval zhora. Kompozícia je pozoruhodná pre svoj neobvyklý pohľad na ukrižovanie Krista, osvetlenie je dramatické a silné tienea veľké využitie skracovanie na obrázku. Krajina v spodnej časti maľby je prístavom Dalího domovského mesta Port Lligat v Španielsku.
Obraz bol v mnohých ohľadoch kontroverzný: suma, ktorá bola zaň zaplatená; predmet; štýl (ktorý pôsobil skôr retro ako moderne). Prečítajte si viac o maľbe na webových stránkach galérie.

Zdroj:
"Surrealistický prípad obrázkov Dali a bitka o umeleckú licenciu„od Severina Carrella, The Guardian, 27. januára 2009

Plechovky od Campbellovej polievky - Andy Warhol

Detail od Andyho Warhola Plechovky od Campbellovej polievky. Akryl na plátne. 32 obrazov, každý s rozmermi 20 x 16 "(50,8 x 40,6 cm). V zbierke Múzeum moderného umenia (MoMA) v New Yorku.
Warhol prvýkrát vystavil svoju sériu Campbellových obrazov na polievkové konzervy v roku 1962, pričom spodná časť každého obrazu spočívala na poličke, ako by to bola plechovka v supermarkete. V sérii je 32 obrazov, čo je počet odrôd polievky, ktoré v tom čase predával Campbell.
Ak by ste si predstavili, že Warhol zásobuje svoju špajzu plechovkami polievky, potom zje plechovku, ako dokončil maľovanie, ale zdá sa, že nie. Podľa webovej stránky Moma Warhol použil zoznam produktov od Campbell's, aby každému obrazu priradil inú príchuť.
Na otázku, Warhol odpovedal:

„Kedysi som to pila. Býval som každý deň rovnaký obed, myslím, že dvadsať rokov, stále dookola to isté. ““¹

Warhol tiež zjavne nemal objednávku, v ktorej by chcel obrazy vystaviť. Moma zobrazuje obrazy „v riadkoch, ktoré odrážajú chronologické poradie, v ktorom boli [polievky] predstavované, počnúc„ Tomato “v ľavom hornom rohu, ktoré debutovalo v roku 1897.“

Ak teda maľujete sériu a chcete, aby boli zobrazené v konkrétnom poradí, nezabudnite si to niekde poznačiť. Zadný okraj plátna je pravdepodobne najlepší, pretože sa tak neoddelí od maľby (aj keď môže byť rám zarámovaný, môže sa skryť).
Warhol je umelec, ktorého často spomínajú maliari, ktorí chcú robiť odvodené diela. Pred vykonaním podobných vecí stoja za zmienku dve veci:

1. On Webová stránka spoločnosti Moma, existuje údaj o licencii spoločnosti Campbell's Soup Co (t. j. licenčná zmluva medzi polievkovou spoločnosťou a majetkom umelca).
2. Zdá sa, že presadzovanie autorských práv nebolo v dobe Warhola menším problémom. Nerobte domnienky o autorských právach na základe Warholovho diela. Urobte si prieskum a rozhodnite sa, aké sú vaše obavy o možné porušenie autorských práv.

Campbell poveril Warhola maľbami (hoci v roku 1964 ich následne poveril pre predsedu predstavenstva na dôchodku) a mala obavy, keď sa značka objavila na Warholových obrazoch v roku 1962, pričom na posúdenie, aká bola reakcia na obrazy. V rokoch 2004, 2006 a 2012 predala spoločnosť Campbell plechovky so špeciálnymi pamätnými štítkami Warhol.

<sub>Zdroj:
1. Ako je uvedené v Moma, sprístupnené 31. augusta 2012.</sub>

Väčšie stromy v blízkosti Warteru - David Hockney

Hore: Umelec David Hockney stojaci vedľa časti svojej olejomaľby „Bigger Trees Near Warter“, ktorú daroval spoločnosti Tate Britain v apríli 2008.
Spodná časť: Obraz bol prvýkrát vystavený na letnej výstave v roku 2007 na Kráľovskej akadémii v Londýne a zaberal celú stenu.
Olejomaľba Davida Hockneyho „Bigger Trees Near Warter“ (nazývaná tiež Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographicique) zobrazuje scénu neďaleko Bridlingtonu v Yorkshire. Obraz vyrobený z 50 pláten usporiadaných vedľa seba. Keď sa to spočíta, celková veľkosť maľby je 4,6 x 12 metrov.
V čase, keď ho Hockney namaľoval, išlo o najväčší kus, aký kedy dokončil, hoci nebol prvým, ktorý vytvoril pomocou viacerých pláten.

" Urobil som to, pretože som si uvedomil, že to zvládnem bez rebríka. Pri maľovaní musíte byť schopní ustúpiť. No, sú umelci, ktorých zabili, že ustúpili z rebríkov, však?"
- Hockney citovaný v a Reuter spravodajská správa, 7. apríla 2008.

Hockney pri kreslení a maľovaní pomáhal kresbami a počítačom. Po dokončení časti bola urobená fotografia, aby mohol celý obraz vidieť na počítači.

„Najskôr Hockney načrtol mriežku, ktorá ukazuje, ako by scéna do seba zapadala, na viac ako 50 panelov. Potom začal pracovať na jednotlivých paneloch in situ. Keď na nich pracoval, odfotili ich a vyrobili z nich počítačovú mozaiku, aby mohol zmapovať svoj pokrok, pretože na stene mohol mať naraz iba šesť panelov. ““

Zdroj:
Charlotte Higgins, Strážca umelecký korešpondent, Hockney venuje Tate obrovskú prácu, 7. apríla 2008.

Vojnové obrazy Henryho Moora

The Výstava Henryho Moora v galérii Tate Britain v Londýne prebiehala od 24. februára do 8. augusta 2010.

Britský umelec Henry Moore je známy predovšetkým vďaka svojim sochám, ale tiež vďaka atramentu, vosku a akvarely obrazov ľudí ukrytých v londýnskych staniciach metra počas druhej svetovej vojny. Moore bol oficiálnym umelcom vojny a v roku 2010 Výstava Henryho Moora v galérii Tate Britain je im venovaná miestnosť. Vo filme, ktorý bol urobený v období od jesene 1940 do leta 1941, sa vo vlaku schúlili jeho spiace postavy tunely zachytili pocit úzkosti, ktorý zmenil jeho reputáciu a ovplyvnil populárne vnímanie Bleskový. Jeho práca v 50. rokoch odrážala vojnové následky a vyhliadky na ďalšie konflikty.
Moore sa narodil v Yorkshire a študoval na umeleckej škole v Leedsi v roku 1919, keď slúžil v prvej svetovej vojne. V roku 1921 získal štipendium na Royal College v Londýne. Neskôr učil na Royal College a na umeleckej škole v Chelsea. Od roku 1940 Moore žil v Perry Green v Hertfordshire, teraz domovom USA Nadácia Henryho Moora. Na bienále v Benátkach v roku 1948 získal Moore medzinárodnú sochársku cenu.

„Frank“ - Chuck Close

„Frank“ od Chucka Closea, 1969. Akryl na plátne. Veľkosť 108 x 84 x 3 palce (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). V Inštitút umenia v Minneapolise.

Autoportrét a fotoportrét Luciana Freuda

Umelec Lucian Freud je preslávený svojim intenzívnym a nemilosrdným pohľadom, ale ako ukazuje tento autoportrét, obracia ho sám proti sebe, nielen voči svojim modelom.

1. „Myslím si, že skvelý portrét má čo do činenia s... pocit a individualita a intenzita vzťahu a zameranie na konkrétne. ““ ¹
2. „... musíš sa pokúsiť pomaľovať ako iná osoba. Pri autoportrétoch sa „podoba“ stáva odlišnou vecou. Musím robiť to, čo cítim, bez toho, aby som bol expresionista. “ ²

<sup>Zdroj:
1. Lucian Freud, uvedený v Freud at Work, str. 2. Lucian Freud citovaný v Lucian Freud Williamom Feaverom (Tate Publishing, London 2002), s. 43.</sup>

„Otec Mony Lisy“ - muž Ray

„Otec Mony Lisy“ od Mana Raya, 1967. Reprodukcia kresby pripevnenej na drevovláknitej doske s pridanou cigarou. Veľkosť 18 x 13 5/8 x 2 5/8 palcov (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). V zbierke Múzeum Hirshorn.
Mnoho ľudí si Mana Raya spája iba s fotografiou, bol však aj umelcom a maliarom. Bol priateľom s umelcom Marcelom Duchampom a spolupracoval s ním.
V máji 1999 Novinky z umenia časopis zaradil Mana Raya do zoznamu 25 najvplyvnejších umelcov 20. storočia pre jeho fotografiu a „výskum filmu, maľby, sochy, koláže, asambláže“. Tieto prototypy by sa nakoniec nazvali performance art a conceptual art. “

Art News povedal:

„Spoločnosť Man Ray ponúkla umelcom vo všetkých médiách príklad tvorivej inteligencie, ktorá pri„ hľadaní potešenia a slobody “[sprievodca uvádzaný Man Rayom] princípy] odomkla všetky dvere, ku ktorým prišla, a voľne kráčala tam, kam mala. “(Citát Zdroj: Art News, máj 1999,„ Svojvoľný provokatér “od AD Coleman.)

Toto dielo „Otec Mony Lisy“ ukazuje, ako môže byť pomerne jednoduchý nápad efektívny. Najťažšia časť prichádza s nápadom na prvom mieste; niekedy prichádzajú ako záblesk inšpirácie; niekedy ako súčasť brainstormingu nápadov; niekedy vypracovaním a uskutočňovaním koncepcie alebo myšlienky.

Slávni maliari: Yves Klein

Retrospektíva: Výstava Yves Klein v Hirshhornovom múzeu vo Washingtone v USA od 20. mája 2010 do 12. septembra 2010.

Umelec Yves Klein je pravdepodobne najznámejší pre svoje monochromatické umelecké diela so špeciálnou modrou farbou (pozri napríklad „Living Paintbrush“). IKB alebo International Klein Blue je ultramarínová modrá, ktorú formuloval.

Klein, ktorý si hovoril „maliar vesmíru“, sa usiloval dosiahnuť nehmotnú duchovnosť pomocou čistej farby “a zaoberal sa„ súčasnými predstavami konceptuálnej povahy umenia “.¹.

Klein mal relatívne krátku kariéru, necelých desať rokov. Jeho prvým verejným dielom bola kniha umelca Yves Peintures („Yves Paintings“), publikovaná v roku 1954. Jeho prvá verejná výstava bola v roku 1955. Zomrel na infarkt v roku 1962 vo veku 34 rokov. (Časová os života Kleina z Archívy Yves Klein.)

<sub>Zdroj:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, accessed 13 May 2010.</sub>

„Živý štetec“ - Yves Klein

Tento obraz francúzskeho umelca Yves Klein (1928-1962) je jednou zo sérií, v ktorých používal „živé štetce“. Modely nahých žien zakryl podpisovou modrou farbou (International Klein Blue, IKB) a potom v umeleckom diele pred publikom, ktoré nimi „natreté“ na veľké listy papiera nasmerovaním slovne.
Názov "ANT154" je odvodený z komentára kritika umenia Pierra Restanyho, ktorý popisuje obrazy vyrobené ako „antropometrie modrého obdobia“. Klein používal skratku ANT ako sériu titul.

Čierna maľba - Ad Reinhardt

„Vo farbe je niečo zlé, nezodpovedné a nezmyselné; niečo nemožné ovládať. Kontrola a racionalita sú súčasťou mojej morálky. ““ - Ad Reinhard v roku 1960 ¹

Táto monochromatická maľba amerického umelca Ad Reinhardta (1913-1967) je v Múzeu moderného umenia (Moma) v New Yorku. Je to 60 x 60 "(152,4 x 152,4 cm), olej na plátne a bol namaľovaný v rokoch 1960-61. Posledné desaťročie a kúsok svojho života (zomrel v roku 1967) používal Reinhardt vo svojich obrazoch iba čiernu farbu.
Amy Sia, ktorý fotografiu vyfotografoval, hovorí, že uvádzač poukazuje na to, ako je obraz rozdelený na deväť štvorcov, každý s iným odtieňom čiernej.
Nerobte si starosti, ak to na fotografii nevidíte. Je ťažké to vidieť, aj keď ste pred obrazom. V nej esej o Reinhardtovi pre Guggenheimovú Nancy Spectorová popisuje Reinhardtove plátna ako „tlmené čierne štvorce obsahujúce ťažko rozoznateľné tvary kríža [ktoré] spochybňujú hranice viditeľnosti“ ².
<sup>Zdroj:
1. Farba v čl autor: John Gage, str
2. Reinhardt Nancy Spector, Guggenheimovo múzeum (sprístupnené 5. augusta 2013)</sup>

John Virtue's London Painting

Britský umelec John Virtue od roku 1978 maľuje abstraktné krajiny iba čiernobielo. Na DVD vyrobenom v londýnskej národnej galérii Virtue tvrdí, že práca v čiernej a bielej farbe ho núti „byť invenčným... znovuobjavovať“. Unikajúca farba „sa prehlbuje môj zmysel pre to, aká farba je... zmysel pre to, čo vidím... je najlepší, presnejší a presnejší, ak nemám paletu oleja. maľovať. Farba by bola slepá ulička. ““
Toto je jeden z londýnskych obrazov Johna Virtue, ktorý bol robený ako spolupracovník umelca v Národnej galérii (2003 - 2005). The Webová stránka národnej galérie popisuje Cnostiove obrazy ako „spriaznené s orientálnou maľbou štetcom a americkým abstraktným expresionizmom“ a úzko súvisiace s „veľkým anglickým maliari krajiny, Turner a Constable, ktorých Virtue nesmierne obdivuje “, ako aj ovplyvnenie„ holandskou a flámskou krajinou Ruisdaela, Konincka a Rubens “.
Cnosť nedáva jeho obrazom názvy, iba čísla. V rozhovore z apríla 2005 Výtvarníci a ilustrátori časopis Virtue hovorí, že svoju prácu začal chronologicky číslovať už v roku 1978, keď začal pracovať v monochromatickom režime:

„Neexistuje žiadna hierarchia. Nezáleží na tom, či je to 28 stôp alebo tri palce. Je to neverbálny denník mojej existencie. ““

Jeho obrazy sa volajú iba „Krajina č. 45“ alebo „Krajina č. 630“ atď.

The Art Bin - Michael Landy

Na výstave. Sa konala výstava Art Bin od umelca Michaela Landyho Galéria v južnom Londýne od 29. januára do 14. marca 2010. Koncept je obrovský (600 metrov³) odpadkový kôš zabudovaný do priestoru galérie, v ktorej sa vyhadzuje umenie, „pamätník tvorivého zlyhania“¹.
Ale nielen akékoľvek staré umenie; museli ste podať žiadosť o to, aby ste svoje umenie hodili do koša, či už online alebo v galérii, pričom Michael Landy alebo niektorý z jeho zástupcov rozhodoval, či sa to bude dať zahrnúť alebo nie. Ak bol prijatý, odhodil ho do koša z veže na jednom konci.

Keď som bol na výstave, bolo vhodených niekoľko kúskov a osoba, ktorá robila hod, mala veľa cviku zo spôsobu, akým dokázal nechať jeden obraz kĺzať priamo na druhú stranu kontajner.
Výtvarná interpretácia smeruje dole cestou, kedy / prečo sa umenie považuje za dobré (alebo svinstvo), subjektivita v hodnota pripisovaná umeniu, umeleckému zbieraniu, sile umeleckých zberateľov a galérií vytvárať alebo rozbíjať umelecké diela kariéry.

Určite bolo zaujímavé kráčať po stranách a pozerať sa na to, čo bolo hodené, čo sa rozbilo (veľa kusov polystyrénu) a čo nie (väčšina obrazov na plátne bola celá). Niekde dole bola veľká potlač lebky zdobená sklom od Damiena Hirsta a kúsok od Tracey Eminovej. Nakoniec by to, čo by mohlo byť, bolo recyklované (napríklad naťahovače papiera a plátna) a zvyšok určený na skládku. Pochovaný ako odpad, je nepravdepodobné, že ho vykopal o storočia archeológ.

_{Zdroj:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), webová stránka South London Gallery, navštívená 13. marca 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Tento obraz amerického politika Baracka Obamu, šablónovaná koláž pre rôzne médiá, vytvoril pouličný umelec so sídlom v Los Angeles, Shepard Fairey. Bol to hlavný portrétny portrét použitý v Obamovej prezidentskej volebnej kampani v roku 2008 a distribuovaný ako tlačená verzia a bezplatné stiahnutie v obmedzenej edícii. Teraz sa nachádza v Národnej galérii portrétov vo Washingtone DC.

1. „Aby vytvoril svoj Obamov plagát (čo sa mu podarilo za necelý týždeň), Fairey vzal z internetu spravodajskú fotografiu kandidáta. Hľadal Obamu, ktorý vyzeral ako prezidentský... Umelec potom zjednodušil čiary a geometriu a použil červenú, bielu a modrú vlasteneckú paletu (s ktorou sa pohral tým, že z bielej urobil béžovú a modrú pastelový odtieň)... tučné slová ...
2. „Jeho Obamove plagáty (a veľa jeho komerčných a umeleckých diel) sú prepracovaním techník revoluční propagandisti - žiarivé farby, výrazné písmo, geometrická jednoduchosť, hrdinské pózy. “

Zdroj: ​
„Obamova podpora na stene“ autor: William Booth, Washington Post 18. mája 2008.

„Rekviem, biele ruže a motýle“ - Damien Hirst

Britský umelec Damien Hirst je najviac známy svojimi zvieratami uchovávanými vo formaldehyde, ale začiatkom 40. rokov sa vrátil k olejomaľbe. V októbri 2009 prvýkrát v Londýne vystavoval obrazy vytvorené v rokoch 2006 až 2008. Tento príklad zatiaľ nie slávneho obrazu slávneho umelca pochádza z jeho výstava vo Wallace Collection v Londýne s názvom „No Love Lost“. (Termíny: 12. októbra 2009 - 24. januára 2010.)
správy BBC citoval Hirsta.

„Teraz maľuje iba ručne“, že dva roky boli jeho „obrazy trápne a ja som nechcel ktokoľvek vojde. “a že sa„ musel naučiť maľovať po prvý raz, pretože bol tínedžerským umením študent. “¹

V tlačovej správe sprevádzajúcej výstavu Wallace sa uvádzalo:

„Modré obrazy svedčia o odvážnom novom smerovaní jeho tvorby; séria obrazov, ktoré sú podľa umelcových slov „hlboko spojené s minulosťou“. ““

Vkladanie farieb na plátno je pre Hirsta určite novým smerom a tam, kam Hirst smeruje, sa budú pravdepodobne venovať študenti umenia. Olejomaľba by sa mohla stať opäť trendy.
Sprievodca webom.com po Londýne Travel, Laura Porter, prešla na tlačovú ukážku výstavy Hirst a dostala odpoveď na jednu otázku, ktorú by som chcela vedieť: Aké modré pigmenty používa?

Laure bolo povedané, že to bolo „Pruská modrá za všetky okrem jedného z 25 obrazov, ktorý je čierny. “Niet divu, že je taký tmavý, tlejúci modrý!
Umelecký kritik Adrian Searle z The Guardian nebol príliš priaznivý na Hirstových obrazoch:

„V najhoršom prípade vyzerá Hirstova kresba iba amatérsky a dospievajúco. V jeho rukopisoch chýba oomph a panache, vďaka ktorým veríte v maliarove klamstvá. Ešte to nemôže odniesť. ““²

<sub>Zdroj:
1 Hirst „rozdáva nakladané zvieratá“, BBC News, 1. októbra 2009
2. "Obrazy Damiena Hirsta sú smrteľne nudné„Adrian Searle, Strážca, 14. októbra 2009.</sub>

Slávni umelci: Antony Gormley

Antony Gormley je britský umelec, ktorý je azda najviac preslávený sochou Angel of the North, ktorá bola odhalená v roku 1998. Stojí v Tyneside na severovýchode Anglicka na mieste, ktoré bolo kedysi dolom, a privíta vás svojimi 54 metrov širokými krídlami.
V júli 2009 videla Gormleyho inštalácia na štvrtom podstavci na Trafalgarskom námestí v Londýne dobrovoľníka, ktorý stál hodinu na podstavci, 24 hodín denne, 100 dní. Na rozdiel od ostatných soklov na Trafalgarskom námestí, štvrtý sokel priamo pred Národnou galériou nemá na sebe stálu sochu. Niektorí z účastníkov boli samotní umelci a načrtli svoje neobvyklé hľadisko (fotografia).
Antony Gormley sa narodil v roku 1950 v Londýne. Študoval na rôznych vysokých školách vo Veľkej Británii a budhizmus v Indii a na Srí Lanke. V rokoch 1977 až 1979 sa zameral na sochárstvo na Slade School of Art v Londýne. Jeho prvá samostatná výstava bola v umeleckej galérii Whitechapel v roku 1981. V roku 1994 získal Gormley Turnerovu cenu za film „Field for the British Isles“.
Jeho životopis na jeho webovú stránku hovorí:

... Antony Gormley oživil ľudský obraz v sochárstve radikálnym skúmaním tela ako miesta pamäti a premeny, pričom ako subjekt, nástroj a materiál použil svoje vlastné telo. Od roku 1990 rozšíril svoje znepokojenie nad ľudskými podmienkami o skúmanie kolektívneho tela a vzťahu medzi sebou a inými vo veľkých inštaláciách ...

Gormley nevytvára typ postavy, ktorú robí, pretože nemôže robiť sochy v tradičnom štýle. Skôr ho teší rozdielnosť a schopnosť, ktorú nám dávajú interpretovať. V rozhovore s Časy¹, povedal:

„Tradičné sochy nie sú o potenciáli, ale o niečom, čo je už hotové. Majú morálnu autoritu, ktorá je skôr represívna ako kolaboratívna. Moje diela potvrdzujú ich prázdnotu. ““

^{Zdroj:
Antony Gormley, muž, ktorý zlomil formu, autor John-Paul Flintoff, The Times, 2. marca 2008.}

Slávni súčasní britskí maliari

Zľava doprava umelci Bob a Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi HamblingBrian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakea Alison Watt.
Príležitosťou bola prehliadka obrazu Diana a Actaeon Tiziana (neviditeľné, zľava) v Národnej galérii v Londýne s cieľom získať finančné prostriedky na zakúpenie obrazu pre galériu.

Slávni umelci: Lee Krasner a Jackson Pollock

Z týchto dvoch maliarov Jackson Pollock je slávnejší ako Lee Krasner, ale bez jej podpory a propagácie jeho umeleckých diel by možno nemal miesto na umeleckej časovej osi, ktorú robí. Oba maľované v abstraktnom expresionistickom štýle. Krasnerová bojovala o uznanie kritiky sama o sebe, iba aby bola považovaná za Pollockovu manželku. Krasner zanechal odkaz na založenie Nadácia Pollock-Krasner, ktorá poskytuje granty vizuálnym umelcom.

Rebríkový podstavec Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873-1948) bol americký umelec narodený v Paríži známy svojimi krajinomaľbami. Spočiatku trénoval u otca umelca Daniela Ridgwaya Knighta. Prvýkrát vystavoval na francúzskom salóne v roku 1894 a pokračoval v ňom celý svoj život, pričom si získal uznanie aj v Amerike. Jeho maľba Dosvit kúpil v roku 1922 americký prezident Warren Harding pre Biely dom.
Táto fotografia z Archívy amerického umenia, bohužiaľ, neposkytuje nám umiestnenie, ale musíte si myslieť, že každý umelec ochotný sa prebrodiť voda s jeho rebríkom a farbami bola buď veľmi oddaná pozorovaniu prírody, alebo celkom inak šoumen.

1897: Ženská umelecká trieda

Túto fotografiu z roku 1897 z Archívy amerického umenia ukazuje hodinu výtvarnej výchovy žien s inštruktorom Williamom Merrittom Chaseom. V tej dobe muži a ženy navštevovali hodiny výtvarnej výchovy osobitne, kde mali ženy v tom čase šťastie, že vôbec mohli získať umelecké vzdelanie.

Výtvarná letná škola c.1900

Študenti umenia na letných kurzoch Školy výtvarných umení v St Paul v Mendote v Minnesote boli fotografovaní okolo roku 1900 s učiteľom Burtom Harwoodom.
Pokiaľ ide o módu, veľké klobúky proti slnečnému žiareniu sú veľmi praktické maľovanie vonku pretože drží slnko mimo vašich očí a bráni spáleniu vašej tváre (rovnako ako vrchná časť s dlhými rukávmi).

„Nelsonova loď vo fľaši“ - Yinka Shonibar

Niekedy je to mierka umeleckého diela, ktorá mu dáva dramatický dopad, oveľa viac ako predmet. „Nelsonova loď vo fľaši“ od Yinky Shonibar je taký kúsok.

„Nelsonova loď vo fľaši“ od Yinky Shonibar je loď vysoká 2,35 metra vo vnútri ešte vyššej fľaše. Je to replika vlajkovej lode viceadmirála Nelsona HMS v mierke 1:29 Víťazstvo.
„Nelsonova loď vo fľaši“ sa objavila na štvrtom podstavci na Trafalgarskom námestí v Londýne 24. mája 2010. Štvrtý podstavec zostal prázdny od roku 1841 do roku 1999, keď bol prvým z pokračujúcej série súčasných umeleckých diel objednaných špeciálne pre podstavec Štvrtá skupina na uvedenie podstavca do prevádzky.
Umelecké diela pred „Nelsonovou loďou vo fľaši“ boli One & Other od Antonyho Gormleyho, v ktorých na podstavci hodinu a nepretržite stál 100 dní iný človek.
V rokoch 2005 až 2007 ste mohli vidieť sochu Marca Quinna, Alison Lapperová tehotná, a od novembra 2007 to bol Model pre hotel 2007 od Thomasa Schutteho.
Batikované vzory na plachtách knihy „Nelsonova loď vo fľaši“ boli ručne potlačené umelcom na plátne, inšpirované látkami z Afriky a ich históriou. Fľaša je 5 x 2,8 metra vyrobená z plexiskla, nie zo skla a jej otvor je dostatočne veľký na to, aby mohla vyliezť dovnútra a postaviť tak loď.